Double Moon Records 2013

Denis Gäbel (ts), Pablo Held (fender), Martin Gjakonovski (cb), Jonas Burgwinkel (dms)

C'est véritablement la découverte de ce saxophoniste ténor venu d'outre-rhin et qui, pour ma part m'a donné une claque du genre de celle que je prends parfois à l'écoute de Joshua Redman ou, dans un autre style de Chris Potter. Totalement inscrit dans la tradition des ténors issus de cette école au son ample, au groove incandescent, au placement rythmique exceptionnel. Il paraît que le garçon est très demandé en Allemagne. Tu m'étonnes !

Ecouter ce qu'il fait sur Halfway Trough avec une maîtrise du son incroyable. Denis Gabel est un saxophoniste au discours impétueux,épais et fluide, tranchant dans le lard du jazz funky ou du blues ( comme sur Devil woman de Charlie Mingus, seule composition non originale) avec une incroyable maîtrise. On pense sur le plan harmonique, au travail d'un Jerry bergonzi. C'est dire toute l'étendue du talent de ce saxophoniste sans aucun complexe et dont la maturité du jeu impressionne déjà. Bien sûr aussi parfois quelques inflexions coltraniennes ( I think I know you) mais toujours très discrètement évoquées au profit d'une expression du son plus personnelle. Le garçon donne le tournis, emporte tout sur son passage, c'est irrépressible. Peut être pourrions nous ajouter le bémol du fait que l'on aimerait l'entendre aussi dans un tempo plus lent. Et juger de sa sensibilité mélodique à laquelle il rechigne un peu. Mais quel groove ! écouter Neon light pour apprécier la souplesse du garçon, à l'aise dans le tempo comme un poisson dans l'eau. Avec, derrière lui une rythmique qui pulse comme il faut. Sacré groupe, pas manchots pour un sou et notamment un magnifique fender avec Pablo Held.

Haute température assurée. Jouissif.

Jean-Marc Gelin

Nonesuch / Tzadik 2013

Pat Metheny (tout !), Antonio Sanchez (dms)

Sortie le 20 main 2013

Metheny/John Zorn : les deux hommes se connaissent bien et s'apprécient mutuellement. Et même si l'on imagine que Pat Metheny ne fait pas réellement partie de la cosmologie New-Yorkaise de Zorn, le guitariste du Missouri apprécie le travail de Zorn et le connaît parfaitement. Et cette collaboration inédite donne lieu ici à quelque chose d'assez rare dans le milieu musical : voir le projet sortir sous deux labels, celui de Zorn d'un côté ( Tzadik) et celui qui accueille Metheny de l'autre ( Nonesuch).

Que le guitariste se révèle un superbe interprète du Book of Angel pour en signer la 20ème album n'a rien de réellement surprenant. On sait que Zorn a l'habitude de faire appel aux musiciens les plus inventifs et les plus créatifs popur interpréter le song book de Masada. On a encore en mémoire les interprtéaion données par Medeski Martin and Wood ou encore celles de Joe Lovano dans le volume 12.

Mais qui mieux que Metheny pour en exprimer toute la richesse musicale, puisant à l'acoustique ou à l'électrique et surtout dans un instrumentum foisonnant dans toutes les richesses de textures de cette musique Zornienne décidément bine iconoclaste. Où l'on entend parfois Metheny jouer de la guitare comme une mandoline aux fines ciselures mélodiques ou encore comme instrument de bruitage pour plonger dans le magma des ténèbres. Il faudrait quelques explications sur les conditions de cet enregistrement. Ainsi Hurmiz,morceau presque free enregistré vraisemblablement en une prise dans des conditions qui semblent être celle de home studio ? (où l'on entend le cri d'un enfant à la fin du morceau et un "chuuut" qui ne sont pas partis au mixage) et qui  montre  qu'au delà d'être hyper ( et génialement) arrangé, Metheny sait aussi rester au coeur de l'instant brut. C'est qu'il y a chez le guitariste l'exigenc et le sens de l'artisanat de qualité, un compagnonnage rare. Car dans cet album Metheny fait presque tout avec le même talent d'instrumentiste que celui qui a donné naissance à son orchestrion. Il faut écouter ses chevauchées fantastiques  sur Mastena dans la pure tradition Methenienne faisant vibrer d'une force incroyable la musique de Zorn. C'est fort, intense ! Et quel travail de Antonio Sanchez, dont on ne cesse de dire dans ces colonnes qu'il est décidément l'un des plus grands batteurs de la planète jazz.

Metheny entre dans l'intime, c-a-d dans la compréhension très forte qu'il a de la musique de Zorn et de son potentiel émotif. Et la démonstration qu'il fait ici c'est qu'il est véritablement un génie de l'arrangement et de l'orchestration. Il faut écouter Sarieloù c'est tout son orchestre imaginaire qui se met en branle. Dans ce morceau : des mouvements, des tiroirs qui s'ouvrent, des intentions sucrées et salées, du doux et de l'épicé dans un même mouvement porté par la guitare Methenienne qui brille, qui brille. Exceptionnel !!

Que ceux qui pensent que le Book of Angel se répète inlassablement lèvent le doigt et se dénoncent. Car cet album va les ramener à la réalité d'une magnifique rencontre de deux génies musicaux du jazz et de la musique du XXIème siècle.

Jean-Marc Gelin

Vendredi 24 mai 2013
Concert « YÔKAÏ » d’Anne Paceo
20 heures
Anne Paceo (batterie), Emile Parisien (saxophone ténor et soprano), Leonardo Montana (piano), Pierre Perchaud (guitare), Chris Jennings (contrebasse).

Composé de certains des représentants les plus doués de la nouvelle vague du jazz français, le groupe Yôkaï est le dernier projet en date de la jeune batteuse Anne Paceo. À 29 ans, la lauréate des Victoires du jazz en 2011 propose sous ce nom aux consonances exotiques un répertoire nourri de ses voyages, dont les développements alternent rêveries poétiques et élans lyriques. D’une musique en prise avec les sons d’aujourd’hui, marquée par l’influence du rock, Yôkaï est habité par l'inspiration du saxophoniste Emile Parisien (prix du musicien français 2012 de l'Académie du jazz) et du guitariste Pierre Perchaud (membre de l'actuel Orchestre national de jazz), avec le concours du contrebassiste canadien Chris Jennings et du pianiste d’origine brésilienne, Leonardo Montana. « Générosité de l’avenir. (…) Écoutons Yôkaï » intimait Francis Marmande dans Le Monde. Oui, et en direct, c’est encore mieux !
 
En amont de son concert, Anne Paceo mènera une action pédagogique auprès des élèves de la classe d’option musique du lycée Hector-Berlioz de Vincennes, sous la direction de leur professeur Jean-Philippe Baldassari, en partenariat avec l’Espace Daniel-Sorano.

Samedi 25 mai 2013
 « Jazz 4 kids » avec le trio de Jean-Philippe Scali
17 heures
Concert jeune public (5-10 ans)
Jean-Philippe Scali (saxophone alto et baryton), Frédéric Nardin (orgue), Manuel Franchi (batterie). Durée : 45 minutes.
 
« Jazz sur l’herbe », apéro-jazz
18 heures
Animé par les musiciens de l’atelier jazz de l’Edim dans le jardin

Christophe Dal Sasso Big Band « LE HORLA » - création
20 heures
Christophe Dal Sasso (flûte, composition, arrangement), Julien Alour, David Dupuis (trompette, bugle), Boris Pokora (sax alto, flûte, clarinette), Sophie Alour, Lionel Belmondo (sax ténor, flûte, clarinette), Thomas Savy (clarinette basse, clarinette), Merrill Jerome Edwards, Bastien Stil (trombone), Pierre de Bethmann (piano), Manuel Marchès (contrebasse), Donald Kontomanou (batterie).
Compositeur-arrangeur dont la réputation n’est plus à faire, Christophe Dal Sasso a apporté sa contribution à quelques-unes des aventures jazzistiques parmi les plus ambitieuses de ces dernières années, dont l’Hymne au soleil de Lionel Belmondo et une création pour David Liebman et l’Ensemble Intercontemporain. Entre audace d’écriture et liberté de jeu, réminiscences personnelles et inventions formelles, son big band réunit la fine fleur des musiciens français, tels les saxophonistes Lionel Belmondo et Sophie Alour, le pianiste Pierre de Bethmann ou encore le clarinettiste Thomas Savy. Alors qu’il vient tout juste de faire paraître « Ressac » (Discograph), un album qui confronte un comédien, une pianiste classique et une formation de jazz, sur des compositions inspirées par son attachement à la Méditerranée, Christophe Dal Sasso s’attaque déjà un nouveau répertoire : une création inspirée du roman fantastique de Guy de Maupassant, Le Horla, point de départ d’une exploration orchestrale. Un imaginaire littéraire transmué en musique, aux confins du savoir-faire classique et de l’âme du jazz.
 
Ce concert qui verra la création d’une œuvre nouvelle de Christophe Dal Sasso d’après Le Horla de Maupassant, fera l’objet d’un enregistrement public en vue de la publication du prochain disque de la formation.
 
Bœuf animé par l'Edim
À partir de 22 heures

Dimanche 26 mai 2013
Journée spéciale "Our Man in Paris", hommage à Dexter Gordon

Considéré comme le premier saxophoniste ténor à avoir adopté le be-bop de Charlie Parker et Dizzy Gillespie, Dexter Gordon (1923-1990) fut l’un des géants du jazz moderne, et pas seulement par la taille ! La carrière de ce grand interprète de standards et maître des ballades connut des haut et des bas, jusqu’à ce qu’il se fixe en Europe au début des années soixante, où il résida jusqu’en 1976. Dix ans plus tard, il fut, avec François Cluzet, l’interprète inoubliable du film « Autour de minuit » de Bertrand Tavernier, pour lequel obtint une nomination aux Oscars. En souvenir du temps qu’il passa à Paris, et dans le cadre des manifestations organisées à l'’occasion du 90ème anniversaire de sa naissance, Tempo Jazz célèbre ce géant du jazz pendant toute une journée.

14h30 : projection du film "Autour de minuit" (1986) de Bertrand Tavernier, avec Dexter Gordon, François Cluzet.

17h : table-ronde autour du film en présence de Bertrand Tavernier (cinéaste), Maxine Gordon (épouse de Dexter Gordon), Robert O’Meally (Columbia University).

18h30 : Concert "Our Man in Paris, Revisited" : Lew Tabackin rencontre  Vincent Bourgeyx Trio – Inédit
Lew Tabackin (sax ténor, flûte), Vincent Bourgeyx (piano), Pierre Boussaguet (contrebasse), Mourad Benhammou (batterie).
Connu pour le big band qu’il codirigeait avec son épouse, la pianiste Toshiko Akiyoshi, le saxophoniste Lew Tabackin (Philadelphie, 1940) est un saxophoniste puissant et véloce qui s'inscrit directement dans la lignée des grands ténors des années 1960. Partenaire de musiciens tels que Donald Byrd et Freddie Hubbard, passé par le groupe d'Elvin Jones, il a notamment cosigné des disques avec Phil Woods, Warne Marsh ou John Lewis. Aujourd'hui, il est l'un des derniers grands saxophonistes du hard bop et n'a rien perdu de son énergie.
Il rend hommage à l’une de ses sources d’inspiration, en compagnie du trio du pianiste Vincent Bourgeyx, formé à l’école du swing et du be-bop à New York, en revisitant le répertoire du mythique « Our Man in Paris » (Blue Note), enregistré par Dexter Gordon à Paris, le 23 mai 1963, soit, à trois jours près, un demi-siècle avant ce concert.

Exposition de photographies de Dexter Gordon à Paris par Francis Wolff (courtesy of Mosaic Images).
Entre 1963 et 1964, la compagnie Blue Note organisa à Paris plusieurs séances d’enregistrement avec Dexter Gordon pour lesquelles elle dépêcha l’un de ses responsables, Francis Wolff, également photographe attitré du label. Ce sont quelques-uns des clichés réalisés par Wolff à cette occasion, dont plusieurs inédits, qui seront exposés pendant Tempo Jazz, en hommage au saxophoniste et à ses liens avec notre capitale.
 
Cette journée spéciale s’inscrit dans la série de manifestations "Dex @ 90" organisée par la Dexter Gordon Society aux Etats-Unis, en France et au Danemark, pour célébrer le 90e anniversaire de la naissance de Dexter Gordon.

Label Cristal records/ Distributeur harmonia mundi

On aime le début en fanfare, faussement  joyeux, étrangement répétitif du dernier opus du clarinettiste poly-instrumentiste Sébastien Texier. Les élements se déchaînent dans ce premier thème, le rythme devient haletant.  Qui sont donc ces parasites toxiques? Pas les compagnons de son quintet, tous leaders à leur façon, Bruno Angelini au piano, Alain Vankenhove à la trompette et au bugle, la paire rythmique solide et ardente de Fred Chiffoleau et Guillaume Dommartin ? A moins qu’il ne faille prendre « toxique » au sens d’entêtants, enivrants... Ce sont plutôt la peur, l’insouciance, l’inconscience humaines qui s’avèrent  germes maléfiques. La fragilité humaine oblige à une certaine humilité, la colère militante monte face à l’absurdité du monde avec la dernière composition dédiée aux victimes de Fukushima....  Avec cet épilogue, à l’heure où il faudrait tirer des bilans, on a l’impression d’être au cœur des tensions entre raison et irraisonné, touchant de près à cette « contamination » rampante.
Mais revenons à la musique de Sébastien Texier, auteur des huit compositions de l’album. Quelle façon énergique et touchante de se jeter dans la musique comme dans cet « Are you sure ? » qui assurément l’est, intense, persistant. Sa musique produit son effet, relayée par un piano, fluide, sombre, presque toujours intrépide. On note la circularité des morceaux qui s’enchaînent dans une suite de belle continuité, avec un « Mumble blues » vibrant, qui n’échappe pourtant pas à une dimension hypnotique. On est frappé de cette répétition lancinante de certains thèmes comme dans l’abrupt « Toxic parasites ». Les compositions, plutôt classiques dans leur ensemble, sonnent bien avec ces formidables instrumentistes, la musique évoluant de climats labyrinthiques, créant un vague à l’âme crépusculaire, un spleen intimiste, en ambiances plus engagées et percussives. Dans une alternance de thèmes bienvenue, chacun prend largement sa place, en pleine connivence, dans la douceur veloutée du son, la caresse de la mélodie ou dans des soli plus angoissants, comme dans «l’Insouciance», tout un art de l’inquiétude en sourdine. Ce qui confère au quintet l’allure d’une entreprise collective avec une musique qui, sans être propice à la rêverie, sait jouer des demi-teintes d’une méditation sous surveillance. Ainsi, virevoltants ou mélancoliques, mais toujours lyriques, ces thèmes sobrement beaux  dessinent un patchwork  de préoccupations intimes ou citoyennes à partager chez soi ou en club entre amis. Performance à suivre!
Sophie Chambon

Cristal records 2013

Sébastien Texier ( as,cl) ;  Alain vankenhove (tp), Fréderic Chiffoleau(cb), Bruno Angelini (p), Guillaumme Domartin (dms)

C’est l’album de la maturité pour Sébastien Texier. Le saxophoniste rompt ici avec une esthétique très poétique qui était un peu sa marque de fabrique ( voir le magnifique album consacré il y a quelques années au facteur Cheval, enregsitré avec Edouard Bineau, « L’Obsessioniste ») mais qui lui donnait aussi une image un peu lisse. Avec sa nouvelle équipe et des compositions ultra-efficaces et magnifiquement écrites, il crée au contraire ici une sorte de sound unit, un groupe ultra homogène fait de personnalités musicales affirmées qui, chacunes, trouvent leur place dans cette mécanique impressionnante. Car Texier affirme ici son caractère. Bien trempé. Une sorte de virilité dans le jeu, à la fois puissant et incroyable de maîtrise, associé à une belle sensualité. Il faut entendre ce Mumble Blues qu’il porte à haut niveau d’incandescence en déchirant le son de sa clarinette comme pour aborder ce thème dans le crade et le poisseux d‘un blues qui colle aux basques. Car derrière le travail compositionnel il y a aussi tout un travail sur le son. Ecoutez Song for Paul Motian, morceau sublime, éthéré et flottant dans une brume sensuelle qui enveloppe ! Quel plus bel hommage à Motian que ce thème ou encore cet autre thème : Le courage ne fait pas toutqui a aussi cette même façon de marier la structure formelle avec la liberté du presque free. Il y a du jazz là-dedans. Du qui puise aux racines. Sébastien Texier entre dans son sujet sans fioritures. Compose admirablement. S’entoure de vrais guerriers à l’âme sensible. Il y a par ailleurs de belles envolées hard bop sur lesquelles le saxophoniste fait montre d’une belle agilité et prouve, qu’à bon escient, mais à bon escient seulement, il sait emballer le tempo.

Au fil d’un album complet et cohérent Sébastien Texier impose un groupe et un collectif. Au fil de cet album on découvre plusieurs facettes de son jeu, plusieurs inspirations et des climats différents. Sébastien Texier est pluriel et son talent fait de lui un  saxophoniste aussi prolixe que tendre, aussi viril que sensuel. Au fil de cet album Sébastien Texier s’impose petit à petit non seulement comme un saxophoniste de grand talent mais aussi comme un vrai leader d’un groupe épatant.

Jean-Marc Gelin

Ajmi series

Voilà un  titre astucieux et poétique pour un hommage au génial gaucher de Seattle. On pouvait néanmoins avoir quelque inquiétude à l'idée d'entendre une nouvelle  version des tubes hendrixiens, plus ou moins remaniés. C'est compter sans le talent du guitariste Rémi Charmasson qui a attendu  longtemps avant de créer un projet personnel, en quintet, à  partir de l'univers si créatif du guitariste.
C'est " Little wing " qui commence l'album, l'une des ballades lyriques en diable de Jimi Hendrix,  portrait fantasmé d'une jeune femme, plutôt  éthérée. Après la longue introduction au piano de Perrine Mansuy vraiment troublante, Laure Donnat continue à nous désorienter, en étirant les mots très sensuellement et ce n'est qu'ensuite que l'accompagnement " classique " guitare-basse-batterie joue vraiment la mélodie, le nerf rythmique du quintet étant merveilleusement assuré par le (contre)bassiste Bernard Santacruz et le jeune batteur Bruno Bertrand.
En effet le parti pris de l'album n'est pas de rivaliser en riffs de guitare saturée, en  distorsions déchaînées, en effets de la wah wah dont Hendrix tira des sons insoupçonnés des créateurs même ou premiers utilisateurs que furent Cream et Zappa . Il est certain qu'on  ne pourra jamais  ressentir l'onde de choc déclenchée par  les strates d'électricité du jeu tourbillonnant d'Hendrix. Mais Rémi Charmasson  connaît tout ou presque de son instrument. Donc, il ne voulait pas trop la jouer " guitar hero " sauf sur quelques moments judicieusement choisis (on peut tout de même se faire  plaisir)  comme sur " Voodoo Chile ", ou " Wait until tomorrow ", qu'Hendrix considérait  bizarrement comme une chanson commerciale ! Nul doute que Charmasson sait faire chanter ses guitares.
Pour le reste, il fait confiance aux femmes du groupe, la pianiste Perrine Mansuy à l'univers singulier et la chanteuse Laure Donnat (on se souvient de son dernier projet sur Billie Holiday) pour rehausser ses arrangements  du répertoire hendrixien. Certaines versions se rapprochent de l'original  comme le délicieux " The wind cries Mary " qui finit pourtant dans un crescendo de " Hey Jude ",  single de McCartney sorti en 68. Ce qui souligne un aspect intéressant des compositions qui tirent sur le versant pop. Le répertoire choisi par Rémi Charmasson permet en effet de couvrir plusieurs aspects de la personnalité d'Hendrix et de saisir l'évolution d'une carrière courte, mouvementée, incandescente. Ainsi " Burning of the Midnight Lamp " a un statut particulier dans la discographie hendrixienne, puisque ce single de 1967 " illustre l'évolution musicale d'Hendrix, en six mois d' Are you experienced ? à  Axis : Bold as Love, avec une orchestration chargée, clavecin, chœurs et guitare jouée comme une mandoline ", nous rappelle l'un des spécialistes les plus sérieux du sujet,  Régis Canselier, dans Jimi HENDRIX, le rêve inachevé, remarquable  travail aux éditions du Mot et du Reste. Dans "One Rainy Wish", de  Axis : Bold as Love, Hendrix a conçu ses parties de guitare (Fender Stratocaster et Octavia) plus comme un compositeur que comme un simple guitariste. Hendrix se livrant à des séances d'improvisation épiques, à des tentatives constantes d'exploration, voilà pourquoi, sans doute, plus de quarante ans après sa mort, il nous bouleverse encore.

The Wind cries Jimi n'est  donc pas un tribut à l'intention des fans, des collectionneurs, des amateurs perdus devant la profusion d'albums qui ressortent. C'est le "Labour of Love  de quelqu'un qui a grandi avec Jimi Hendrix, qui s'est nourri de l'époque et de sa formidable richesse, et qui tente joliment ses propres variations avec une autre instrumentation et des musiciennes. De  "Them Changes", l'une des compositions les plus célèbres de Buddy Miles dans le  dernier groupe  Band of Gypsies, avec des improvisations du batteur d'inspiration soul, voire gospel et un solo funky d'Hendrix, la version du quintet en fait autre chose d'absolument  moderne et de très différent. De l'intérêt des variations autour de " standards " qui constitue l'esprit même du jazz, se réapproprier et adapter des mélodies et compositions aimées sans en faire des " remakes ". Le final  "People get ready  n'est pas d' Hendrix mais de Curtis Mayfield, très engagé à l'époque dans les luttes raciales. Sans que cela ne soit trop décalé, ce choix éclaire la vision plurielle du quintet.

Sophie Chambon

Sylvain Cathala ( ts), Sarah Murcia (cb), Christophe Lavergne (dms)

Enfin le grand disque que l'on attendait de Sylvain Cathala. Juste énorme.

Il y a dans cet album une dimension colemanienne (entendez Steve Coleman) avec cette formidable puissance du son, cette musique exigeante propulsée par une dynamique rythmique dans laquelle Sarah Murcia à la contrebasse prend enfin son envol pour s'imposer dans le registre des contrebassistes de talent ( ce que pour ma part je me refusais à admettre lorsqu'elle s'exprimait dans d'autres groupes mais qui constitute une évidence à laquelle je me range avec ravissement).

Oui, la musique de Sylvain Cathala est excitante. Il y a comme des leçons d'Anthony Braxton dans cette architecture musicale basée sur le perfection  rythmique et harmonique qui flirte ave  l’agencement et les codes mathématiques.

Dans ce jeu à trois, l'énergie circule, passe de l'un à l’autre comme une fluide vital et peut s'écouter comme autant de combinaisons de solos, duos ou trios. C'est dire ce qu'il y a de compréhension partagée de l'instant, de fusion des intentions.

Sylvain Cathala n'aime pas la facilité et la musique qu'il propose est tout sauf simple. Et pourtant c'est le talent des grands musiciens que de donner à cette musique non-easy cette sorte d'évidence à l'écoute, de rendre limpide les structures harmoniques et rythmiques les plus complexes pour en faire finalement une musique qui s'offre à tous. Il suffit d'écouter ce 3ème thème pour se convaincre de la force du discours. Il y a dans cette musique une puissance du groove qui dépasse les clichés du jazz ternaire pour faire la démonstration que des structures rythmiques savantes savent groover de manière irresistible (je me souviens de cette discussion avec Sylvain où il était question de la musique Aka dont d’une manière ou d’une autre il revient ). Ce groove que ces trois-là impulsent emporte tout. Un flot irrépressible porté par Sylvain Cathala véritablement impressionnant dans à peu près tous les registres. Car le saxophoniste franchit une nouvelle étape dans son jeu pour s’imposer totalement dans cet album où le lyrisme de son discours, son phrasé, son sens de l’improvisation, sa maîtrise du son et son placement rythmique l’imposent comme l’un des meilleurs. Dans ses maîtres on imagine qu’un Tony Malaby ne doit pas être loin. Il est vrai que dans les deux cas c’est l’intelligence du jazz qui explose. Avec brio.

Jean-Marc Gelin

Musique originale Andy Emler

Création Les Athévains

Coproduction La Compagnie aime l’air et Théâtre 95

Du 27 mars au 05 mai 2013

Etrange expérience vraiment que de parler d’une musique conçue pour un spectacle de théâtre (que je ne pourrai voir) mais dont je peux lire le texte qui a inspiré la pièce. Il s’agit du Ravel de Jean Echenoz paru aux éditions de Minuit en 2006. Jusqu’au 5 mai, au théâtre Artistic Athévains, dans le 11ème à Paris, ce RAVEL (interprété par Michel Ouimet ) retrace les dix dernières années de la vie du compositeur (1875-1937) depuis sa folle tournée aux Etats Unis en 1927. Ce spectacle, mis en scène par Anne Marie Lazarini, est joué par le pianiste Andy Emler qui a composét «quelques pages musicales à la manière de... », dans le même esprit que l’écrivain dont l’écriture, toute musicale, est faite de brisures, de changements de tempos. Dans ses pages se joue une vie, sa fin plutôt, « celle de Ravel qui fuit sous ses doigts ». On pourrait reprendre en effet une formule d’un autre livre d’Echenoz, Cherokee, pour qualifier Ravel, dandy « un peu absent de lui même».

Sans voir l’acteur interpréter le compositeur au caractère singulièrement difficile, je relis le texte épuré, élégamment ironique, tout en écoutant la musique. L’écrivain a composé une partition imaginaire, immergé dans l’univers ravélien. « Ravel serait donc une biographie romancée du musicien ? Non plutôt une vie réinventée, avec ses sinuosités, ses failles, ses absences, ses incertitudes... » lit-on dans les liner notes de cet album que l’on peut se procurer au spectacle. Un récit sans fioritures, retransmis en version quasi-intégrale sur cet homme dont on connaît si peu de la vie privée, qui semble n’avoir eu comme passion que la seule musique. Le spectacle lui redonne vie, incarné par les comédiens et la musique jouée, improvisée sur un piano peint en bleu.

Alors pourquoi ne pas avoir pris la musique de Ravel elle-même, des fragments des œuvres évoquées, à savoir le Concerto en sol, « conçu non pas pour le piano mais contre lui », le Concerto en ré, et surtout le fameux Boléro dont Echenoz nous explique si bien la genèse : « Il sait très bien ce qu’il a fait, il n’y a pas de forme à proprement parler, pas de développement ni de modulation, juste du rythme et de l’arrangement... Phrase ressassée, chose sans espoir, c’est seulement fait pour être dansé. » La tentative serait, dans ce cas, purement illustrative. Avec le choix d’ Andy Emler, leparti-pris tout à fait réussi, fait plus qu’ évoquer, s’inscrit tout contre la figure ravélienne. Quand on aime Ravel, on ne peut pas ne pas aimer le jazz, à moins que ce ne soit l’inverse. Sans vraiment le savoir, Ravel a créé un système, ouvert une voie aux jazzmen à venir. Attiré par « cet art neuf et périssable », Ravel a découragé néanmoins Gershwin, venu lui demander des cours de composition. La réponse fut sans appel, « lui représentant qu’il risquerait de perdre sa spontanéité mélodique, et pour faire quoi, que du mauvais Ravel ... Et puis bon Gershwin, son succès universel ne lui suffit plus, il vise plus haut mais les moyens lui manquent, on ne va pas quand même l’écraser en les lui donnant. »

L’ influence de Ravel a irrigué nombre de musiques plus contemporaines, y compris des musiques de films. Andy Emler s’en est souvenu dans cet exercice de style qui n’en manque pas, à la manière d’un pastiche littéraire, au sens le plus noble du terme. Pas de caricature dans ce « labour of love », mais au contraire une version originale de « my own Ravel », une extrême fidélité au mot, au signe près, de la chose écrite, des partitions. Savoir recréer l’univers, les couleurs, le raffinement complexe de cet écrivain de musique, solitaire, distant, immense orchestrateur et arrangeur minutieux. Sous le charme de l’écriture superbement distante d’Echenoz, Andy Emler s‘est prêté à son tour au jeu de faire revivre lui aussi le compositeur, et comme il connaît son Ravel « de mémoire vive », il en est ressorti avec 9 pièces écrites et cinq improvisations.

« Ravel préfère considérer le plus longtemps possible la surface blanche et grise...dans l’idée d’en extraire une ligne mélodique, un rythme, un leitmotiv, pourquoi pas. Il sait bien que cela ne se passe jamais ainsi, que l’inspiration n’existe pas, qu’on ne compose que sur le clavier. »

Voilà une expérience intégrale passionnante, finement transversale qui unit littérature, théâtre et musique. Un portrait littéraire et musical dont, on ose l’espérer, Ravel aurait aimé la justesse dans la recréation même.

Sophie Chambon

N’attendez pas le dernier moment pour vous inscrire sur le site www.jazzdayparis.com afin d’assister aux multiples manifestations-gratuites- organisées par l’Association Paris Jazz Club le 30 avril de 14 heures à 2 heures du matin dans les quatre clubs de la Rue des Lombards : Le Baiser Salé – Le Duc des Lombards - Sunside – Sunset.
Ce sont 48 évènements qui sont programmés –détail sur www.parisjazzclub.net avec concerts, master classes et débats sur des thèmes comme la production discographique, la programmation (en clubs et en festivals), l’histoire du jazz….La liste des participants met en appétit : Laurent de Wilde, Gregory Porter, Tony Tixier, Géraldine Laurent, Leila Martial, Pierre Christophe, Vincent Peirani, Mario Canonge…

Initiée par l’UNESCO et le Thelonious Monk Institute of Jazz, la Journée Internationale du Jazz, qui célèbre sa deuxième édition cette année, comprend des manifestations dans une centaine de villes dans le monde ce dernier jour du mois d’avril.
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Jean-Louis Lemarchand