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Jeudi 30 octobre 2014 4 30 /10 /Oct /2014 22:25


Impulse 2014

Ran Blake (p), Ricky Ford (td), Laika Fatien (vc)

C'est un album choc. Certainement l'un des évènements majeur de cet automne ( avec celui d'Antonio Sanchez dont on vous parlera plus tard ).

Avec Cocktail at Dusk, le pianiste signe un hommage à la chanteuse américaine Chris Connor dont il fut l'un de ses amies et disparue en 2009. Chris Connor, malheureusement un peu ignorée du grand public était une immense chanteuse de jazz qui eut son heure de semi-gloire àla fin des années 50 lorsqu'elle signa chez le label Bethlehem ou encore pour le mythique label Atlantic sur lequel Creed Taylor signa aussi  de fameuses chanteuses de jazz ( Julie London !!) avant d'aller créer Impulse. Mais ça c'est une autre histoire qui d'une certaine manière se perpétue ici puisque cet album est signé sur le même label repris récemment par Jean-Philippe Allard.

Ran Blake lui rend donc hommage par cet album tout en délicatesse qui mêle à la fois les parties instrumentales en solo ( les plus nombreuses) ou accompagné du sax tenor de Rick Ford sur deux titres mais aussi quelques parties chantées par la sublime Laika Fatien ou encore quelques discrets passages collés où l'on entend la voix de Chris Connor apparaître et disparaître de manière fantomatique.connor

Ran Blake, immense pianiste conversant sans cesse avec lui même et son propre piano dans une relecture souvent très monkienne est amoureux des chanteuses et des chansons elles mêmes. Sa carrière a d'ailleurs véritablement débuté avec un chef d'oeuvre iconique, son duo avec Jeanne Lee ( "The newest sond around "- 1962) qui continue à marquer de son empreinte des générations de chanteuses de jazz, au rang desquelles Laika elle même.

Tout au long de cet album c'est une succession de petits chefs d'oeuvre alignés les uns après les autres. Les interventions de Laika sont proprement renversantes. Sa version de All About Ronnie nous bouleverse. Comme si effectivement l'ombre de Jeanne Lee planait sur la session plus que celle de Chris Connor ( écouter la version de Jeanne Lee et ran Blake de 1963)

Chaque morceau, repris du répertoire qu'affectionnait la chanteuse, est une sorte de relecture très personnelle qu'effectue le pianiste maître dans l'art de la digression, de l'appropriation, de l'acculturation. Toute l'essence du jazz est au bout de ses doigts dans cette façon de relire et d'improviser sans jamais dénaturer. Car même si le pianiste on l'a dit, converse avec lui même, Ran Blake ne donne jamais le sentiment d'être un pianiste introspectif. Sa reprise répétée des motifs mélodiques de ces standards que nous connaissons bien nous aide àgarder pied et à nous sentir sous maîtrise. Sa version un peu sombre de Speak Low par exemple, est un modèle du genre.

Tout au long de cet album Ran Blake impose sa marque et semble nous inviter dans une sorte de confidence intimiste, dans une sorte de conversation évocatrice de quelques tendres souvenirs.

Juste sublime !

Jean-Marc Gelin



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Mercredi 29 octobre 2014 3 29 /10 /Oct /2014 08:25

 

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La pianiste suisse était hier à Paris pour un concert qu'elle donnait à la Dynamo à Pantin. Elle y présentait son nouveau projet avec son violoniste de mari, Mark Feldman, Scott Colley à la contrebasse et Billy Mintz à la batterie.

 

 

Les DNJ : C'est une formation originale que vous présentez ici. Un quartet inédit pour vous ?

 

 

Sylvie Courvoisier : Effectivement c'est une toute nouvelle formation. Nous souhaitions avec Mark apporter une couleur beaucoup plus jazz à notre musique. Mark avait déjà en tête de faire quelque chose avec Scott. Il apporte beaucoup de profondeur à la musique et il apporte aussi son sens du blues qui nous manquait peut être. Quand à Billy Mintz, c'est un batteur au feeling incroyable mais trop peu connu ici. Il est d'un très grande inventivité. Nous avions déjà joué en quartet avec lui et Thomas Morgan.

 

 

 

DNJ : Votre précédent album en duo (avec Mark Feldman) a été très bien accueilli par les critiques. Vous jouez avec Mark Feldman depuis de nombreuses années. Qu'est ce qu'il y avait de spécial dans cet album que vous n'aviez pas exprimé avant ?

 

SC : Je crois surtout que c'est la magie du live. L'album a été enregistré en public et nous y avons apporté un soin tout particulier au mixage pour qu'il n'apparaisse justement pas comme un live. Par exemple nous avons cherché à gommer tous les applaudissements. C'est quelque chose qui me fait horreur, quand j'entend ces albums et que l'on entend les applaudissements du public entre chaque morceau. Et puis nous avons fait aussi un gros travail sur le traitement du son. Du coup il y a je crois dans cet album la magie de la scène, la spontanéité de ce que nous disons mais comme si cela avait été enregistré en studio.

 

DNJ : Quelles sont les influences que vous revendiquez aujourd'hui dans votre jeu ?

 

SC : La question des influences est délicate. J'ai bien sûr des gens, des pianistes que j'adore mais que je mets un point d'honneur à ne pas " imiter". Je revendique bien sûr des influences comme celles d'Amhad Jamal. Mais aussi et surtout Keith Jarrett qui est quelqu'un que j'adore absolument. Pourtant j'essaie vraiment de me dégager de son influence. Et c'est cela qui est vraiment difficile.

 

 

DNJ : Quel est l'accueil que votre musique reçoit aux Etats-Unis ?

 

SC: Il est très bon. Mais vous savez nous jouons très souvent à New-York dans quelques lieux comme Le Stone où nous bénéficions d'un cercle de fans absolus, de gentils fous qui  nous sont totalement dévoués. Ils vont même parfois jusqu'à créer leur propre label et à produire eux-mêmes nos propres albums. C'est incroyable parce que ce sont des gens dont ce n'est pas le métier, qui ont un  job par ailleurs....

 

DNJ : C'est la constellation de la planète Zorn ?

 

SC : Oui en grande partie

 

DNJ : cette appartenance à la planète Zorn n'est elle pas être parfois enfermante ?

 

SC : En tous cas moi et Mark nous ne le vivons pas comme cela. Nous adorons jouer avec John ou jouer sa musique tout simplement. Dans le dernier album que nous avons réalisé avec Scott et Billy c'est vrai que vous retrouvez pas mal de compositions qui portent un peu sa marque, son esthétique comme les "3 Cards for capitaine".

 

 

DNJ : Oui et jusqu'au titre de l'album ( "Birdies for Lulu")

 

SC : Ah oui c'est vrai vous pensez à l'album News from Lulu ! Mais en fait figurez vous que Lulu,.....c'est mon chat.

Mais pour en revenir à l'influence de Zorn j'ai l'impression de m'en dégager aussi lorsque je fais mon album en trio avec Kenny Wollesen et Drew Gress.

 

DNJ : Kenny Wollesen est quand même un pilier du dispositif de John Zorn !

 

SC : Oui mais pas du tout Drew. Ni même Scott Colley. C'est comme cela que nous ouvrons notre musique à une autre forme de jazz tout en gardant l'identité de la musique que nous aimons jouer. En intégrant des musiciens qui n'ont rien à voir avec cette histoire et qui apportent une personnalité différente.

 

DNJ : L'album que vous sortez aujourd'hui n'est d'ailleurs pas sur le label de Zorn ( Tzadik)

 

SC : Non il est sur un label suisse (Intakt). Il a été enregistré à New-York par James Farber qui est aujourd'hui l'un des plus grandes références.

 

Intakt records - Birdies for Lulu

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DNJ : Un label suisse ? Justement quel accueil reçoit votre musique dans votre pays ?

 

SC : Pratiquement aucun. Vous savez je suis installée à New-York depuis 1998. Cela fait longtemps que j'ai quitté la Suisse et je ne sais plus trop ce qu'il s'y passe aujourd'hui.

 

 

Propos receuillis par Jean-marc Gelin

 



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Lundi 27 octobre 2014 1 27 /10 /Oct /2014 20:00

 

Label NOME/ L’autre distribution

Concert de sortie au New Morning le 28 octobre

David Enhco (tp), Roberto Negro (p), Florent Nisse (cb), Gauthier Garrigue (dms)

 

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C’est le second album en quartet du trompettiste David Enhco  qui sort sur le tout nouveau label NOME, fondé avec cinq autres musiciens pour gérer de façon plus autonome la mise en place et la promotion des albums du groupe.

C’est effectivement la deuxième couche (traduction de «layer») après l’inaugural  La Horde, sorti déjà en autoproduction chez Cristal Records. Gageons que le jeune musicien et ses comparses sont en train d’édifier un édifice musical qui va durer, un projet collectif cohérent, intègre, combinant rigueur des échanges et appétit de jeu. Le quartet concocte un  millefeuille musical  délicieux, léger et profond à la fois. Composé en courtes séquences que séparent des interludes, Layers constitue un portrait sur le vif de cette génération qui passe  sans problème du classique au jazz, s’aventurant dans la composition d’un univers personnel, toujours mélodique, non dépourvu de lyrisme et d’efficacité.

Deux voix, celles du trompettiste et du pianiste s’élèvent avec bonheur et complicité  dans un registre de mélodies aux harmonies retenues, harmonisant la lisibilité d’un ensemble tout en finesse et en demi teintes. Mais chacun a sa place dans ce quartet équilibré, libre d’exprimer sa personnalité dans un contexte modifiable selon les improvisations. C’est la rythmique souple et rebondissante qui permet au trompettiste de prendre ses envols poétiques, déliés (il est magistral sur « In Waves »). Et Gauthier Garrigue sur « Rude and Gentle » impose lentement et délicatement le chant ininterrompu d’une batterie insistante et frémissante en jouant sur les peaux, le métal, les balais.

C’est sans aucun doute la signature d’un album jazz que dessine cette «story» aux couleurs tendres et fraîches : dès les premières notes de « Nancy With A Laughing Face », on reconnaît  un discours musical référencé, un savoir-faire qui provient d’une solide culture musicale. Cette version réussie de la chanson de Jimmy van Heusen  que Sinatra dédia à sa fille Nancy, fait remonter les effluves d’un jazz d’autrefois, un vrai régal sans mièvrerie, avec le son feutré et doux de la trompette et une contrebasse chantante, évidemment, proche et palpitante.

L’album dans son enchaînement et ses «Séquences » même, nous entraîne de climats percussifs en moments de méditation et de rêve éveillé : une miniature sonore, ce « Childhood Memories » qui laisse la place au pianiste Roberto Negro qui sait depuis sa Loving Suite pour Birdy So ce que conter veut dire. Et d’ailleurs en appui avec le contrebassiste Florent Nisse, il continue sans transition, tout simplement , à jouer une musique désirante avec  cet « Oiseau de Parhélie », arc-en-ciel situé de part et d’autre du soleil. Oiseaux de paradis, oiseaux de parhélie, ces musiciens savent nous faire rêver... avec une facilité apparente, sans recherche d’effets virtuoses. Voilà de grandes qualités qui jouent en faveur d’un album plus que convaincant.

Sophie Chambon

 

 
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Jeudi 23 octobre 2014 4 23 /10 /Oct /2014 21:24

 

Just Looking / Harmonia mundi

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Une belle surprise que ce disque qui vient de sortir sur le label Just looking : il réunit de façon fort homogène compositions originales et musiques de films revues par deux formidables virtuoses  qui n’ont pas peur de reprendre des compositions d’autres musiciens. Cet album confirme la tendance plus qu’esquissée aujourd’hui  de prendre pour standards des musiques de films. Le domaine de la musique de films a connu un foisonnement créatif tel que l’on oublie les reproches souvent formulés de parent pauvre de la composition, ou de pis-aller alimentaire.  Si beaucoup de metteurs en scène n’ont pas eu une imagination et une vision musicales  très affirmées, il y eut tout de même des tandems qui signèrent  parmi les plus belles partitions du cinéma.  Les B.O de Bernard Herrmann pour Hitchcock,  de Michel Legrand pour Jacques Demy, Nino Rota  pour Fellini, Ennio Morricone pour Sergio Leone ont enchanté littéralement la mise en scène, modelé le montage. Qu’est ce qu’au juste une bonne musique de film ? Doit-elle se faire entendre ou oublier ?  Est-elle seulement au service de l’image ou a-t-elle son identité propre ?  Le compositeur Alexandre Desplat  (qui a signé la musique des films de Jacques Audiard entre autres)  avoue  avoir écouté les musiques de Nino Rota avant de découvrir les films de Fellini. Car les grandes musiques de cinéma portent en elles une identité forte. Très récemment, le contrebassiste de jazz Stéfane Kerecki (après Stéphane Oliva pour Godard ) a rendu hommage à la Nouvelle Vague en un album concept très réussi.

Ainsi  peut on comprendre la formation d’un couple rare- on n’a pas dit improbable- celui du saxophoniste alto et ténor Stefano di Battista (que l’on est heureux de retrouver) avec le guitariste bayonnais Sylvain Luc. Cette collaboration est particulièrement féconde, créant ici la partition d’un film imaginaire et parfaitement original. Cela commence très fort sur un enivrant rythme funk, celui de  Ray Charles  dans son inoxydable « I got a woman ». Jouant admirablement sur les contrastes Di Battista passe ensuite au soprano pour cette ballade  issue de la musique de Sir William Walton composée  pour le film Henry V de Laurence Olivier,  en 1944, orchestrée à l’époque par Muir Mathieson « Touch her soft lips and part ». Quand la musique est aussi subtile et ... bonne,  pourquoi se priver de la reprendre et d’en jouer une variation ? La guitare cristalline perle et s’ajointe à la douceur exquise et perçante du timbre du soprano. Et puis surviennent ces madeleines sonores que le duo nous propose avec talent, en compagnie (ne les oublions pas) de Daniele Sorrentino (basse et contrebasse) et Pierre François Dufour (batterie et percussions) : « Otto e Mezzo », « Giu la Testa » (Il était une fois la Révolution), « Love Theme for Nata »  (Cinema Paradiso). Notre Michel Legrand octogénaire toujours vaillant et prolifique, a signé aussi en plus de tubes incontournables comme «La chanson des Jumelles », des originaux comme ce « Dingo Rock » des plus percutants.

La force de ces musiques revisitées est qu’elles apportent quelque chose d’inattendu, ont leur vie propre, sont écoutées sans leurs images d’origine, se projettent dans  ce que les auditeurs peuvent demander, espérer, désirer. Ainsi le thème moins connu de Cinema Paradiso a sa force propre et la transition avec « Arrivederci » de Stefano di Battista se fait plus qu’en douceur, dans une parfaite continuité : les deux musiciens  sont de merveilleux  créateurs d‘ambiance et travaillent au delà des images, comme ce très réussi « Sauvage » du guitariste sur lequel s’envole di Battista, qui communique une fièvre à laquelle on ne résiste pas.  

Si on continue à reprendre aujourd’hui Cole Porter, Irving Berling, on revoit aussi les chansons plus « actuelles » de Randy Newman, Joni Mitchell, Radiohead. Et le domaine immense de la musique de films s’avère un répertoire dans lequel puiser sans complexe. Souhaitons que cette tendance perdure avec des créations aussi réussies que celles de ce Giu la Testa : « To pay respect to the melody » disent les Américains, on ne peut que souscrire à cette idée quand l’hommage est rendu avec talent, compréhension musicale , énergie et...sensualité.

Sophie Chambon.

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Mercredi 15 octobre 2014 3 15 /10 /Oct /2014 01:10

 

Soupir editions

www.jeanlucfillon.com 

www.son9.com

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Sortie le 15 Octobre 2014

Belle invitation que ce Begin the night (en fait une contraction de « Begin the Beguine » et «Night & Day» ) que nous propose Oboman (Jean Luc Fillon) pour son nouvel album en trio après 7 disques en leader. Il s’agit de rendre hommage cette fois au musicien poète de Broadway, Cole Porter qui disparut  il y a juste 50 ans. Et d’ailleurs par une élégance suprême, l’album sortira le 15 octobre, date de la disparition de cet auteur prolifique génial.

Tout le monde connaît Cole Porter, même les plus jeunes et ses chansons  ont fait le tour de la planète, des années vingt aux années cinquante, gravées dans les mémoires dans l’interprétation qui les rendit célèbres, à Hollywood. Prenez Marilyn pour « My Heart Belongs to Daddy » dans Let’s Make Love ou Fred Astaire pour « Night and Day » dans l’une de ses séquences les plus «glamour» avec Ginger Rogers dans The Gay Divorcee. Parfois on ne sait pas qu’il s’agit de lui, mais le plus souvent, le titre est sur le bout de la langue... ce qui est arrivé à Oboman lui-même avant de reconnaître « Easy to love » et d’ajouter non sans humour que  « Love is everywhere » ...chez Cole Porter, même si l’on pourrait ajouter qu’il s’agit aussi d’amour vache, désespéré ou désespérant  comme dans “Love for sale”, “What is this thing called love?”  Cole Porter savait utiliser la musique pour mordre à la réalité qui pouvait lui échapper, se révélant souvent  vulnérable, étrangement familier. Disposant d’une solide formation classique,  Cole Porter a vite aimé le jazz, la musique de l’époque et s’est particulièrement  illustré dans la comédie musicale avec de grands succès à Broadway comme Anything goes.

Douze titres, parmi des centaines de chansons, le choix a du s’avérer difficile pour le trio sans rythmique composé de Joao Paulo au piano, Fred Eymard à l’alto (il s’agit de violon) et Jean Luc Fillon pour le hautbois. « Un trio à l’instrumentation romantique pour servir le lyrisme du poète de Broadway », qui fait résonner le classique dans le jazz, la musique savante du XXème siècle.

Avec le souvenir de ce musicien,  commence une histoire... Même si les mélodies demeurent, les harmoniques sont revisitées et les arrangements sont suffisamment rythmiques pour entraîner sur la piste et inviter à la danse... C’est une des caractéristiques de la musique de Cole Porter, il n’y a donc aucun faux-sens dans ce  parcours impeccablement cohérent, qui transforme les standards coleportiens en les réadaptant au style particulier d’Oboman. Amoureux du timbre si original du hautbois, Jean Luc Fillon a choisi de servir l’instrument - dont il est capable de tout obtenir, en en repoussant les limites, dans un autre contexte que celui du répertoire classique.  Sans rejouer ces chansons en « revivaliste », Oboman réussit à adapter le monde brillant de l’auteur, superficiel en apparence et léger. Pas du tout opposé à la tradition américaine, le trio la fait revivre, mais différemment. C’est beau, c’est autre chose et en même temps c’est encore du Cole Porter, évoqué de façon lumineuse. S’arracher à la continuité du temps, pour mieux s’y replacer. Voilà vraiment une façon de le revisiter dignement. Quoi de plus jazz dans cette attitude ? Respect.

 

Sophie Chambon

 

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