ANTOINE HERVE

Montage et réalisation Thomas Chatelet
Production RV Productions (Antoine Hervé)

Bienvenue à cette leçon de jazz consacrée à un génie de la musique brésilienne, magnifique compositeur, interprète, arrangeur, spécialiste de studio qui a écrit des chansons inoubliables.
C’est ainsi que commence cette première leçon de musique d’Antoine Hervé, enregistrée en live à Nanterre, à la Maison de la Musique. Le pianiste, musicien classique et jazzman accompli, qui fut l’un des directeurs  de l’ONJ de 1987 à 1989, se propose dans cette collection pédagogique d’illustrer au piano, la vie et l’oeuvre de ceux qui ont fait le jazz. Le dispositif de l’émission est simple : Antoine Hervé  présente sa leçon de jazz, les 88 touches noires et blanches du clavier apparaissant sur l’écran pour suivre les doigtés et comprendre comment ça joue. Le premier numéro est consacré à Antonio Carlos JOBIM, considéré comme le père de la bossa nova ; il a écrit des musiques superbes et réussi le tour de force d’un accord parfait avec les paroles « le mot devient son, le poème devient musique ». Pour illustrer son répertoire, Antoine Hervé  est accompagné pour chaque chanson par Rolando Faria, un vrai Carioca qui fit partie du duo « Les étoiles ».
Le pianiste  mène cet exercice avec une aisance  décontractée, et de l’humour dans les commentaires toujours pertinents qu’il a d’ailleurs rédigés. Quand il évoque le personnage élégant qu’était Jobim,  et sa vie, c’est une plongée au cœur de Rio dans l’univers de la bossa, dans les années cinquante, âge d’or politique du démocrate qui comptait « rattraper cinquante années en cinq ans ».  Cet acte créateur se fit en compagnie de Joao Gilberto, venu de Bahia et Vinicius de Moraes qui composa le magnifique « Chega de saudade ». La bossa allait faire le lien avec la samba des rues où domine le « surdo » (gros tambour de samba) et le jazz moderne. C’est un vaste mouvement intellectuel qui  se développa avec  le succès d’Orfeu negro en 59 de Marcel Camus, Palme d’or à Cannes.  Si « la Bossa Nova est la bande sonore d’un Brésil idéal », elle fut récupérée sur le continent nord-américain pendant les années soixante par le saxophoniste Stan Getz  avec les enregistrements au succès planétaire de  « So danço samba » avec Joao Gilberto et « The girl from Ipanema » avec Astrud Gilberto. Ainsi, nombre de ces chansons ont fourni des standards du répertoire des musiciens de jazz (« Desafinado », « Samba do aviao », « Agua de beber », « Corcovado »).
Le DVD est intelligemment découpé en chapitres qui permettent de suivre ce courant musical, l’influence romantique, de Chopin en particulier dans l’immortel «  Insensatez ». Sont développés des points plus techniques comme l’usage d’une seule note mélodique (Samba de una nota So), les accords en quartes qui donnent un aspect liturgique, les  harmonies impressionnistes à la Debussy (« Dindi »), l’influence de certaines compositions de Darius Milhaud sur les quartiers de Rio.
Antoine Hervé illustre son propos, avec le talent qu’on lui connaît, quand il est invité par Jean François Zygel,  à la télé de service public, dans son émission La Boîte à Musique. Enthousiaste à l’idée de s’embarquer pour cette aventure, il est dans le fil créatif, toujours entre improvisation et recréation, séduisant comédien dans son discours. Passionné des instruments et des sonorités, des jeux de couleur et de timbres, prêtant sa technique et sa virtuosité à un sujet qu’il connaît sur  le bout des doigts. Aussi plaisant à écouter parler qu’à voir jouer, puisque l’œil écoute.
Voilà un cycle de rencontres à ne pas manquer : la suite fait envie Wayne Shorter, Louis Armstrong, Bill Evans, Keith Jarrett...sont au programme. De quoi se familiariser avec l’univers de ces grands du jazz. Une invitation fort plaisante d’un piano « raisonné » dès ce premier numéro.

Sophie Chambon

Fernando TRUEBA et Javier MARISCAL

Film espagnol  (1h 33)

Scénario  Fernando Trueba - BD Javier Mariscal

Edition collector avec la musique du film en DVD et Blu–Ray

Sortie le 6 décembre du DVD édité par Studio 37 et distribué par Universal

 BO éditée par Sony music

Voix de Mario Guerra, Limara Meneses, Bebo Valdes, Idania Valdès  ( voix de Rita), Estrella Morena (cantaora flamenca)

Le projet de Chico & Rita est né d’une envie partagée du cinéaste espagnol Fernando TRUEBA et du graphiste peintre Javier MARISCAL de parler de leur passion du jazz et de la musique latine, de l’histoire des musiciens cubains d’avant la révolution castriste.  La bande annonce  proclame : Rapprochés par la musique, séparés par le succès,  rattrapés  par l’histoire, leur vie bascule !  Voilà un mélo sur fond de musique cubaine et de jazz, une quête amoureuse sans cesse contrariée comme dans les  films flamboyants de  Douglas Sirk. Deux beaux personnages, presque réels, apparaissent sur l’écran : Rita est une métisse magnifique, à qui tout réussit professionnellement mais qui vivra une histoire d’amour contrariée avec Chico, un pianiste séduisant mais un rien trop séducteur, homme plutôt innocent mais maladroit. C’est surtout un musicien doué qui maîtrise tous les styles, a appris depuis l’enfance à jouer le boléro, les musiques cubaines traditionnelles, tout en étant littéralement fasciné par le jazz et le be bop !

Le making of :

Fernando Trueba, novice dans l’animation n’imaginait pas de jouer avec des comédiens cubains réels   et pensait s’en tenir aux personnages dessinés par Chavi Mariscal. C’était pourtant le meilleur moyen de garder  le contrôle du film. Tourner avec de vrais mouvements de caméra garantit un résultat final fidèle à la vision initiale. Tout fut donc réalisé  en studio, sans maquillage ni décor, avec des marqueurs pour numériser chaque mouvement tourné au préalable. L’animation mobilise un nombre important de personnes mais le résultat est surprenant, tant ce film reconstitue Cuba et New York, qui deviennent deux protagonistes du film. Le résultat est une expérience visuelle extraordinaire où pendant 80 minutes, le spectateur baigne dans les visions de Mariscal, la reconstitution plastique et visuelle de deux villes très différentes. Cuba est une île fascinante avec ses maisons coloniales et ses vieilles  Cadillac.  Javier Mariscal  a travaillé sur La Havane d’avant Castro, au foisonnement tumultueux du capitalisme américain (casinos, boîtes de nuit, enseignes et publicités omniprésentes). Il a particulièrement soigné les éléments et détails d’architecture, soulignés par des couleurs et une lumière particulière, un décor exceptionnel de patios, balcons, escaliers, balustrades et ferronneries ouvragées. On pense aussi au film nostalgique d’Andy Garcia, réalisé en 2006,  Adieu Cuba  qui raconte la vie à La Havane avant l’exil.  New York apparaît en contraste, glacée et métallique, peu accueillante pour les émigrés cubains qui se réchauffent dans les clubs où règne le be bop.

La musique :

Chico & Rita pourrait presqu’être considéré comme un documentaire sur la musique cubaine et son influence sur le jazz des années quarante: les grands percussionnistes omniprésents dans les orchestres new yorkais sont cubains, Mongo Santamaria, Candido, Chano Pozo. Dans une très jolie scène de club, Chico retrouve ce dernier aux côtés de Charlie Parker, de Dizzy Gillespie  (« Manteca ») et  Monk affublé de son éternel bonnet ébauche quelques mesures de« Blue Monk ». Le film rend un vibrant hommage à l’âge d’or du latin jazz  avec tous les rythmes conga, rumba, mambo qui envahirent la planète. On entend aussi Woody Herman and his four brothers, l’ « Ebony concerto » de Stravinsky, la « Celia » de Bud Powell mais aussi le « Tin Tin Deo », le « Mambo Herd » de Tito Puente. L’arrivée à NYC, traitée sous la forme d’un rêve permet de placer quelques chefs d’œuvre comme le thème d’ « On the town » de  Bernstein, d’entendre le « Fascinating  Rythm »  de George & Ira Gershwin, « As time goes by » du Casablanca de Michael Curtiz,  de voir évoluer les silhouettes de Fred Astaire et Ginger Rogers ou Joséphine Baker vêtue de sa seule ceinture de bananes.

Le véritable défi était de constituer un corpus de musique aussi important et d’imaginer une B.O avec des musiciens d’aujourd’hui  et non des enregistrements d’époque de Dizzy Gillespie, Charlie Parker ou Tito Puente. L’objectif est atteint car le film n’est pas une compilation, une anthologie  mais crée une bande musique originale, enregistrée et produite aujourd’hui avec des musiciens qui deviennent acteurs : Jimmy Heath  dans le rôle de Ben Webster qu’il a connu, reproduit  sa façon de jouer, de respirer. Idem pour Amadito Valdès avec Tito Puente, Michael Mosman pour Dizzy avec un tel talent que dans un « blindfold test », on croirait entendre  le trompettiste lui-même. Une autre belle idée est de faire chanter la ballade « Lily »  créée par Chico-Bebo,  par le propre frère de Nat King Cole, Freddy Cole, sorte de « doublure » à la voix plus mûre.

Au cœur du dispositif, Idania Valdèsincarne Rita, qui chante des chansons originales comme « Sabor a mi », mais sous le nom  de Rita la Belle, part tourner un film à Hollywood  et chante « Love for sale ». Bebo Valdès joue Chico, interprètant ses partitions, signant onze des trente titres. Père de Chucho Valdès, actuellement star du latin jazz, il a été retrouvé en 2000 par Fernando Trueba dans son documentaire Calle 54.  A 90 ans, il a toujours un toucher  aussi léger et un  phrasé magnifique. On pense inmanquablement au Bueno Vista  Social Club de Wim Wenders sorti en 1999. Ry Cooder avait réuni de vieux messieurs cubains, émouvants et pleins d’énergie, figures légendaires de la musique cubaine des années 50. 

Le film souligne la vitalité de la musique cubaine, y compris lors d’enterrement où l’on continue à danser la samba, évoque le destin tragique du peuple cubain, la ségrégation si active pendant les années soixante : quand Chico commence à connaître un certain succès, il accompagne au Village Vanguard Ben Webster(« Stardust »), part jouer avec Gillespie à Paris. Mais expulsé injustement pour un faux trafic de drogue, à la suite de la trahison de son ami, il retourne à Cuba en pleine Révolution et doit arrêter le jazz, musique de l’ennemi impérialiste. Quant à Rita, elle brise sa carrière un soir de St Sylvestre, au « Sands » de Vegas en dénonçant la ségrégation dont sont toujours victimes les noirs, artistes et musiciens même devenus stars.

Un film émouvant, nostalgique, très réussi visuellement, qui obtint des récompenses méritées comme le Goya du Meilleur film d’animation-Grand Prix HAFF (Holland Animation Film Festival) 2010 et le Prix Cineuropa 2010 Festival de Cinéma Européen des Arcs. Chico et Rita est aussi une B.O inventive et pourtant fidèle à une époque, un chant d’amour pour le jazz des années « gone by ».

Vivement recommandé !

 Sophie Chambon

Filmed at the Antibes Jazz Festival July 18-22,1961

www.raycharlesfoundation.org

www.jazzicons.com

www.reelinintheyears.com

www.eagle-rock.com

Grâce à l’INA, nous pouvons revoir des concerts historiques filmés par Jean Christophe Averty à Antibes, en juillet 1961.  1h 45 d’un grand show, démonstration particulièrement convaincante de ce que pouvait être « The very essence of a genius ». C’est  le tournant de la carrière de  Ray Charles, ses premiers concerts en Europe avec ses très singulières Raelettes qui swinguent et twistent élégamment, et un formidable orchestre où excellent entre autres Hank Crawford, et David « Fathead » Newman.

Le festival d’Antibes-Juan les Pins, créé en 1960 par Jacques Souplet de chez Barclays,  à la mémoire de Sidney BECHET qui venait de mourir, rencontra un grand succès dès sa première édition et allait influencer beaucoup d’autres festivals dont celui de Montreux, 7 ans plus tard. C’est Frank Ténot qui joua un rôle déterminant auprès du public français pour faire connaître Ray Charles. Ses débuts triomphants, lors de cette tournée en Europe révélèrent la large palette de son talent, qui couvrait tous les styles le jazz, le blues, la pop de Tin Pan Alley, les rythmes latins et bien sûr le  R&B mâtiné de gospel ! Il vint à Antibes avec son orchestre de 8 musiciens (Philip Guilbeau et John Hunt (tp), Hank Crawford (as), David “Fathead” Newman (fl& ts), Leroy Cooper (bs), Edgar Willis (b), Bruno Carr (dm)) et ses chanteuses qui allaient devenir très célèbres The Raelettes. Ray Charles joua quatre soirs à Antibes, les 18, 19, 21 et 22 Juillet et chacun des concerts débute avec un ou deux instrumentaux comme « The Story » de James Moody, « Doodlin » d’Horace Silver, ou une de ses compositions comme « Hornful Soul ». The Genius apparaît  comme un formidable pianiste, dents blanches et lunettes noires, se dandinant un rien comiquement sur son tabouret. Puis il chante jusqu’à la transe, de  sa voix traînante et sensuelle, presque suave ce « With you on my mind » que répètent ses choristes inlassablement. Cette langueur du sud n’éteint pas la formidable énergie toute électrique, et ce sens canaille du blues urbain. Jazz, blues et soul, il a un tel talent quand il croone sur « Ruby » en geignant ou gémissement, et au piano transcende cette  balade lente et désespérée. On est saisi par le miracle de cette voix qui arrive à transcender styles et genres, comme dans le traditionnel « My Bonnie», purement et simplement métamorphosé. On ne peut passer sous silence l’interprétation de ce qui allait devenir son hymne personnel, « Georgia on my mind » d’Hoagy Carmichael, accompagné à la flûte par David « Fathead Newman. Les deux concerts enregistrés les 18 et 22 juillet 1961 et les bonus présentant parfois les mêmes titres  « Let the good times roll », sans oublier « Georgia » dans une version plus gémissante et enjôleuse, « What I’d say », « Sticks and bones », « I wonder».

Le producteur maître de cérémonie, André Francis devait avouer qu’un tiers environ du public connaissait les musiciens au programme du festival, le reste, en vacances sur la Côte d’Azur venait se détendre un soir. Le public, assis sagement dans la pinède, attentif- on se croirait aux concerts de Leonard Bernstein- s’électrise soudainement, comme possédé par ce « thrill » incroyable. Ces concerts agirent comme un détonateur et furent une révélation, le début d’une histoire d’amour avec la France et Antibes. Ray Charles  qui mourut en 2004, y revint quatorze fois jusqu’en 2001. C’est  le début d’une reconnaissance internationale  pour celui que Sinatra considérait comme «  le seul génie dans ce business ».

Le film tourné en 16 mm, a été restauré et sort en DVD pour la première fois,  reconstituant ces différents concerts dans l’ordre de leur interprétation. Avec plus de 20 heures filmées, des coupures, des notes manquant aux débuts et ou à la fin de certaines chansons, il a fallu tout un travail de montage avec des extraits des concerts enregistrés à la radio, et des raccords d’images du public.

 Ce Dvd nous permet de retrouver Ray Charles jeune, exubérant, irrésistible dans ses fantaisies vocales : une pointure du chant afro américain, qui avait vraiment le blues dans la peau. S’il suit le même rituel chaque soir, son show impeccablement rôdé et professionnel a inspiré des générations d’artistes et de chanteurs. Le chanteur noir le plus populaire sut exploiter les ressources de sa voix, tenir admirablement le tempo, en le ralentissant suffisamment pour garder son public (blanc ) en suspens. On ne peut résister bien longtemps à cet enregistrement live, qui appartient à l’histoire du jazz. Merci l’INA !

Sophie Chambon

 A film by Stephane Sinde

Freedom Now

La Huit   www.lahuit.com

Concert filmé le 14 avril 2010 à la Dynamo de Banlieues Bleues

(La chronique de Sophie Chambon)

Pianiste et claviériste reconnu de la scène Downtown de New York, accompagnateur de John ZORN (Naked City), de Marc Ribot mais aussi de David Krakauer dans son premier Klezmer Madness, Anthony Coleman  est l’une des figures intéressantes à suivre en interview et à capter en concert, puisqu’il prolonge en quelque sorte la grande tradition du piano jazz (noir) américain (de Jelly Roll Morton à Cecil Taylor, sans oublier les fondamentaux Duke Ellington et T.S Monk) et fait le lien avec la musique contemporaine (Morton Feldman) .

En première partie du programme proposé, nous suivons un concert enregistré dans le cadre du festival de Banlieues Bleues, pour La Huit, qui suit, au travers de ses productions, la devise fort  juste « Listen to the film, watch the music ».

Une musique de l’instant, intensément poétique, intermittente, jouée par ce quartet  composé d’Ashley Paul à l’alto, Brad Jones à la contrebasse, et Satoshi Takeishi à la batterie et aux percussions. Beaucoup de gros plans enserrent chacun des instrumentistes, se focalisant sur des détails de leur instrument ou de leurs mains. Des visions brûlées de déserts (on pense au Mojave en Californie avec ses agaves et aloès), des paysages où la couleur des sols et de la végétation apparaît comme  rongée. Le crédit photographique indique pour ces derniers, l’abbaye de Faget dans le Gers. Mirages, oniriques visions de cette musique prenante, entre plaintes, chuchotements et mélopées planantes, entrecoupées d’images surexposées d’une femme – de son ombre qui tourne sur elle même. Les fonds sont comme gommés, neutralisés, ne laissant place qu’au jeu des lignes en mouvement. C’est un vrai phénomène de transe, on l’avait compris, que génère cette musique cristalline et fluide : elle s’empare de la jeune altiste qui chante dans son instrument, les yeux clos. Ces cadrages étranges donnent une vision parcellaire de la musique qui continue sur le générique de fin -que l’on est presque surpris de voir arriver- tant cette musique pourrait se prolonger encore. Vision délavée plus que floue, en continuité avec le titre du programme. On aime bien l’idée que le soleil puisse ne pas être toujours bénéfique, source de lumière et de vie mais aussi capable de tragique. Voilà des préoccupations esthétisantes qui peuvent déconcerter dans leur résultat : il est vrai que se pose à chaque fois, la question de savoir filmer la musique et l’improvisation, comment intercaler images réelles, symboles ou métaphores comme la pellicule kodachrome brûlant dans des flammes finales…

Après cet exercice de style, sans transition, un long bonus nous permet de suivre Anthony Coleman jouant Jelly Roll  Morton et donnant son sentiment sur la musique. Et le jazz revient dans l’allégresse, l’entretien étant  illustré de compositions  « Frog-I-more rag », « Jungle Blues », « King Porter Stomp », «The Crave » joyeusement exécutées : la posture est différente, le swing tout de même, ça ragaillardit son homme. 

L’interview se poursuit passionnante, éclairant le parcours d’un pianiste et sa conception de la musique : il balaie son époque, où dominait plutôt le rock - il aima Jimi Hendrix qu’il alla écouter au Madison Square Garden -mais il avait aussi un amour tout particulier pour Scott Joplin. Intéressé ensuite par toutes les musiques, il se posa vite la question « What comes next ?» et rapidement étudia les pianistes de stride, puis Duke et ainsi de suite, suivant la chronologie du jazz, musique dont on pouvait encore écouter les disques dans les magasins spécialisés.

Il n’est pas peu fier d’avoir ainsi tout assimilé de cette musique dans l’ordre. Il connait donc la tradition sur le bout des doigts, ce qui peut expliquer entre autre, ses échappées vers le klezmer avec  David Krakauer. Même s’il reconnaît la place prédominante de Monk, Jelly Roll a tous ses suffrages : il en est un fervent collectionneur (partitions, disques, enregistrements divers y compris d’Henry Threadgill et Mary Lou Williams). Une fois encore se pose la question existentielle du jazz, musique d’improvisation ou de composition ? Et aussi celle de la technique. Depuis Monk, la tradition serait de mettre un point d’honneur à ne pas se concentrer sur la technique pour atteindre la vérité. Entre Robert Johnson et  Aaron Copland, Anthony Coleman choisit sans hésiter le bluesman.

Le seul regret de ce bonus est qu’Anthony Coleman ne continue pas l’entretien  en faisant la liaison avec la musique contemporaine et son jeu actuel. Il manque certains chaînons dans la progression et l’évolution de ce musicien passionnant que l’on découvre ici.

Sophie Chambon

La Huit – Edition  Freedom Now

(CHRONIQUE DE JEAN-MARC GELIN)

Un film sur l’un des acteurs majeurs de la scène New-Yorkaise comme l’est le pianiste Antony Coleman, membre de la grande planète zornienne, bouillonnant génie archétypique de l’intellectuel-artiste New-Yorkais, est forcément en soi un document indispensable.

Ce document prend une double forme curieusement très contradictoire.

La base de ce DVD est en effet un concert donné par le quartet d’Antony Coleman dans le cadre de Banlieues Bleues en avril 2010. Il y était entouré de Ashley Paul ( saxophoniste minimaliste), de Brad Jones à la contrebasse et de Satoshi Takeishi à la batterie. Grand moment d’intensité autour d’une maîtrise admirable du son, de cette économie de notes qui vise à l’émergence de l’essence même du son. Lorsqu’il ne reste plus rien qu’une infime note étirée et même suggérée. Tout y est esquissé dans un remarquable moment de concentration extrême et d’écoute où le fil tenu du son tendu entre les quatre membres de ce quartet avec une infinie précaution n’a jamais semblé si fragile. Très intense expérience.

Malheureusement le film a aussi le défaut de ses avantages. Tout y est systématiquement filmé en gros plan, sans jamais n’avoir aucun plan large qui nous permettrait d’appréhender le quartet dans son ensemble. Du coup on passe sans cesse de gros plans en gros plans, parfois superbes au demeurant (Stéphane Sinde a un art absolu dans sa façon de filmer les mains) mais aussi parfois usants. Viennent s’insérer des images d’une poésie un peu «  bateau » censé illustrer le propos ( Damaged by sunlight) dans une esthétique un peu conventionnelle entre désert brûlé et femme-derviche. On adhère que moyennement.

Mais l’essentiel est ailleurs et surtout dans le bonus, absolument passionnant.  Alors que l’on vient d’achever ce concert aux formes ultra dépouillées, paradoxalement c’est dans le bonus qu’Antony Coleman nous dit sa passion pour Jerry Roll Morton, maître du ragtime, aux antipodes donc de ce que nous venons d’entendre. Coleman s’exprime ainsi sur la génèse de cet amour compulsif pour Jerry Roll Morton ( sa façon d’avoir dévoré méthodiquement tout le jazz d’une façon chronologique),  sur la composition (« composer du jazz est pour moi quelque chose de très actuel, ce n’et pas un oxymore »), sur la technique ( très intéressant quand il parle de Monk et de sa dynamique dans les aigus qui contribue à la tension de sa musique). Et c’est somme toute cette longe deuxième partie ( bien plus qu’un simple bonus) qui captive totalement. Partie magnifiquement entrecoupée de superbes interpretations de thèmes de Jerry Roll Morton dont Antony Coleman connaît toutes les partitions.

Ce qui nous vaut d’ailleurs au passage une version absolument splendide de King Porter Stomp à ne manquer sous aucun prétexte.

De quoi nous laisser un petit regret, celui de ne pas avoir consacré un reportage entier sur l’oeuvre du pianiste, à l’image de ce que la Huit avait réalisé sur Marc Ribot, l’ami de toujours du pianiste New-Yorkais.

Jean-marc Gelin

Sortie Août 2011 (1h42)

Il est difficile de ne pas céder à l’émotion devant le documentaire de Michael Radford

consacré à Michel Petrucciani, qui mourut en 1999, le 6 janvier, à l’âge de 36 ans, après un parcours hors norme. On comprend que le film ait été présenté en avant-première à Cannes cette année, car la vie de Michel Petrucciani vaut bien un roman. Et méritait d’être filmée en tous les cas.

Cette biographie est illustrée d’archives rares, d’extraits de concerts tournés au plus près, d’interviews de la « caravane » de fidèles, le premier cercle des intimes, ses compagnes, les producteurs Jean-Jacques Pussiau, Francis Dreyfus, le cinéaste Frank Cassenti (dont on se souvient du  beau portrait sur Arte, Lettre à Michel Petrucciani, en 1983), le journaliste  Pierre Henri Ardonceau…(1) Beaucoup de musiciens témoignent comme Aldo Romano, qui avait le privilège de le porter sur la scène, comme un enfant. Car Petrucciani se déplaçait difficilement avec des béquilles et confiait ce soin à ses proches, y compris ses femmes.

Atteint d’une maladie très rare des os qui l’empêchait de grandir, Petrucciani eut très vite conscience que ses jours étaient comptés. Il n’eut alors de cesse d’accomplir ses rêves, de vivre furieusement, sans compter, et de se consacrer à la musique ! Il ne se souciait pas vraiment de l’avenir, mais il n’aimait pas perdre son temps ni rester immobile. Seule la musique pouvait le faire tenir tranquille, au piano.

Né dans une famille de musiciens, dès la petite enfance, il est encouragé, poussé par un père plutôt sévère qui tenait un magasin de musique, à Montélimar. « Petru » écoute inlassablement les disques pour apprendre les mélodies et efface systématiquement toutes les cassettes de cours par correspondance pour enregistrer de la musique. Immensément doué pour tout ce qui l’intéressait, il apprit parfaitement l’anglais en six mois, slang compris.

Il décide de partir très vite à l’ouest pour vivre le rêve américain, et c’est à Big Sur en Californie qu’il rencontre sa première femme Linda, descendante d’un chef Peau rouge (selon ses dires) et surtout le saxophoniste Charles Lloyd avec lequel il jouera longtemps. Il mène grande vie : limousines, avions, hôtels cinq étoiles, circuit des grandes salles et festivals, heureux de cette flamboyance qui durera une dizaine d’années, entre Californie et Côte Est. Car il choisit de s’installer à New York, ville mythique aux innombrables clubs de jazz comme le Village Vanguard : il y fait des rencontres décisives, respire le même air que ses idoles, Freddie Hubbard, Chick Corea, Herbie Hancock, Wayne Shorter…   A 22 ans, en 1983, il entre dans la légende, car il est le premier Français à signer sur le prestigieux label Blue Note.  Quelle est sa place exacte dans l’histoire du jazz ? Le film ne le dit pas. Mais Francis Dreyfus lui donna ce précieux conseil : « Trouve ta propre histoire et tiens là…ne fais pas du Bill Evans. Car si Petrucciani possédait toute la tradition du jazz, il était sous l’emprise de Bill Evans.

Assez tardivement, le film révèle quelques traits forts de sa musique : une main droite étonnamment forte, la capacité de créer des lignes mélodiques fascinantes et de les tenir, une technique forcément inimitable de par la nature même de son handicap. Il apparaît surtout qu’il jouait follement, exagérément, en puissance, se fracturant en permanence bras, coude, clavicule, doigt, mais il continuait, semblant ignorer la douleur…  

La dernière partie de sa vie coïncide avec son retour en Europe, il est alors une  super star, mais il a vieilli de façon accélérée, usé par trop d’excès, et les attaques de sa maladie sont impitoyablement rapprochées. Epuisé par le rythme effréné de concerts -plus de 220 par an- il laisse venir la mort, qu’il appelle de par sa vitalité même.

Il dévorait la vie et tout ce qui s’offrait à lui, sans chercher à savoir si c’était bien ou mal. Amant généreux, il attirait les femmes et il collectionna les aventures, mais se maria plusieurs fois ; iI adorait le changement, capable de quitter  immédiatement la compagne du moment. Il  y en eut une cependant avec qui il voulut faire un enfant qui malheureusement est atteint de l’ostéogénèse imparfaite. Alexandre intervient d’ailleurs dans le film -nul besoin de le présenter- il est la copie conforme de son père. L’instinct de vie, la pulsion irrésistible qui poussait Michel Petrucciani à se déclarer heureux malgré tout, pas moins « normal » que les autres, l’ont-il incité à parier ainsi sur la vie ? C’est un douloureux héritage qu’il aura laissé à son fils, conscient qu’il n’a pas beaucoup le choix, sur la crête étroite entre bizarrerie et exception.

Au fur et à mesure que le film déroule sa progression impeccable, on ressent toute l’ambiguïté, la fascination de l’artiste envers la mort : il a vécu dans la recherche effrénée de la jouissance, s’autorisant tous les excès, précipitant ainsi sa fin. Car Michel Petrucciani, ange difforme, ne pouvait être qu’une figure tragique. Et à ce titre, il aura alimenté le mythe, la liste tragique des figures musicales hallucinées qui se brûlèrent les ailes. Il a travaillé aussi consciencieusement, passionnément son instrument qu’il a contribué méthodiquement à sa propre fin : « Toute vie est bien entendu un processus de démolition » écrivait en 1936 Francis Scott Fitzgerald, qui connaissait le sujet, dans son recueil de nouvelles « La fêlure ».

Sophie Chambon

( 1) Il est dommage que ne soient pas cités un seul nom des témoins filmés ou interviewés.

David MURRAY : "Saxophone Man"

Jérôme Gransac

(1) - sa participation aux Loft Sessions, avec le regretté Julius Hemphill, lui permet à l'époque d'occuper une place que la ville ne lui donne pas.
(2) - David Murray à l'église accompagnant des chants Gospel ou avec son père guitariste.
(3) - Stanley Crouch avec qui il semble s'être rabiboché, Amiri Baraka avec qui il constate l'espace ridicule donné au jazz par les instances culturelles américaines en comparaison à celui accordé aux orchestres philharmoniques, le poète Ismaël Reed, la chanteuse Cassandra Wilson avec qui il a enregistré aux débuts de la chanteuse.
(4) - avec Lafayette Gilchrist, qu'on retrouve sur le cd enregistré par David Muray et Hal Singer chez Marge Futura, Andrew Cyrille et Ray Drummond.

Anthony Braxton (as), Lee Konitz (as), Pat Metheny (g), Chick Corea (p), Miroslav Vitous (b), Jack Dejohnette (d) + Dewey Redman (ts), Julius Hemphill (ts), Howard Johnson (bars), Baikida Carroll (tp), Marilyn Crispell (p), Attilo Zanchi (b) , Ed Blackwell (dm), Karl Berger (perc), Nana Vasconcelos (perc), Colin Walcott (perc), Aiyb Dieng (perc). Le 19 septembre 1981.

Il ne faudrait pas associer systématiquement les mots « festival » et « Woodstock » aux trois jours « peace & love » d’août 1969, car il y a eu sur les mêmes lieux, d’autres projets musicaux comme ce festival de jazz de septembre 1981 organisé par le Creative Music Studio. Cette organisation culturelle dédiée aux musiques improvisées et expérimentales a été créé en 1971 par le percussionniste et musicologue allemand Karl Berger sous le parrainage d’Ornette Coleman. Le Creative Music Studio basé justement à Woodstock a eu une influence musicale importante en inventant en particulier le concept « world-jazz »  avec des personnalités comme Don Cherry ou Nana Vasconcelos. L’idée de ce festival était de fêter les dix ans du Creative Music Studio dans leur fief d Woodstock et d’y inviter des figures majeurs d’un jazz à la fois avant-gardiste (Anthony Braxton) et grand public (Chick Corea, Pat Metheny)  afin de proposer un  large éventail qui mêlent musiques improvisées (« Left Jab »), musiques du monde (« We Are »), un hommage à Ornette Coleman (« Broadway Blues ») et  des relectures inspirées de standards (« Stella By Starlight », « All Blues » ou « Impressions »). C’est un quartette inédit et follement énergique (composé de Dewey Redman, Pat Metheny, Miroslav Vitous et Jack DeJohnette) qui reprend avec bonheur le fameux « Broadway Blues » d’Ornette Coleman dans une version de près de dix minutes à couper le souffle ! La séquence « world » est elle aussi passionnante avec le « patron » Karl Berger au balafon entouré de deux tambours, d’Ed Blackwell à la batterie et de Colin Walcott aux tablas pour une belle orgie percussive suivie par un magnifique solo de bérimbau de Nana Vasconcelos. Mais c’est la présence d’Anthony Braxton (si rare en DVD !) qui rend inoubliable ce superbe document. Il ne joue que sur deux titres, mais nous époustoufle par sa passion frénétique et son audace formelle. En effet, sur « Impressions » il part dans une improvisation, créant une tension furieuse et paroxystique, propulsant la section rythmique dans un vertigineux malstrom. La réalisation vidéo du concert manque un peu d’imagination, mais restitue assez bien l’ambiance de ce festival, en privilégiant la proximité et la complicité des musiciens. En bouquet final, un surprenant « All Blues » où les six têtes d’affiche jouent ensemble et où l’on perçoit l’admiration réciproque d’Anthony Braxton et de Lee Konitz,  enchaînant brillamment leur chorus.

 Lionel Eskenazi

LOUIS SCLAVIS

L’histoire d’une création

Un film de Fabrice RADENAC / Arto Films

Label JMS : Ref JMS 101-5 / Sphinx Distribution

Durée totale 1h 59

Format 16:9

 Sortie le 26 avril 2011

Ce film, en suivant l’itinéraire de Louis Sclavis et des autres musiciens du quintet de LOST ON THE WAY (ECM), raconte l’histoire d’une création musicale.

« Itinéraire » est le terme exact puisque l’on suit le clarinettiste dans ses réflexions, sa progression au sens propre et figuré puisque Fabrice Radenacle filme dans toutes les situations, marchant dans les rues, à la poursuite d’une idée, au travail chez lui,  en répétitions, essayant ses anches ou fixant son bec.
Louis Sclavis avoue qu’il prend et perd du temps à définir un sujet, se cherchant des raisons pour faire les choses. Il évoque ce déclic absolument nécessaire, ce besoin d’un « moteur » pour le faire avancer, évoluer avant même que ne surgisse l’autre composante essentielle, l’émotion. Il sait aussi attendre, laisser s’installer le vide, ce rien indispensable pour être justement disponible, en état.

On est ainsi plongé au cœur de la création, de l’émergence de l’idée du projet à sa concrétisation, après de nombreuses péripéties, dignes du voyage d’Ulysse, thème initiateur de Lost on the Way. Une fois encore, avec ce nouvel ensemble, il adapte un folklore mythique autant qu’imaginaire. Au fond peu importe l’argument, une fois trouvé, tant il en fait une autre matière, cérébrale autant que physique, menant ses hommes selon un scénario précis.

On a toujours admiré chez Louis Sclavis cette aptitude à élaborer des projets sensationnels, aux titres formidables : ainsi, comme pour confirmer cette opinion, il revient sur son Napoli ‘s Walls, inspiré par le travail de l’artiste-peintre Ernest Pignon Ernest sur « la peau des murs » de Naples. Sclavis tenait là un sujet en or, avec un livret d’opéra à la Verdi , le drame, le mouvement et le décor baroque de la ville. Musicalement, il pouvait jouer du « rebond » dans la musique de Verdi qui inspire la mélodie ainsi que de la richesse du folklore napolitain.

Ce retour en arrière n’est pas vain pour éclairer la démarche de l’artiste, qui a une vision d’ensemble et aime croiser divers univers (cinéma, photographie...). L’oeil donne à entendre sa propre musique.  A propos d’images et de cadrages, Louis Sclavis est passionné de photos qu’il saisit avec son portable, il dit « choper des instants décisifs », et montre de saisissantes photos noir et blanc d’enfants dans la cour de récréation de l’école d’Hombleux (80) qui porte son nom . Le parallèle qu’il dresse entre la cour de jeux et le concert est pertinent puisqu’il retrouve dans les amusements des enfants,  à la fois improvisés et très organisés,  la mécanique des thèmes musicaux, disposés différemment à chaque fois. 

Le film  donne ensuite à voir des portraits croisés des musiciens du groupe, captés en mouvement, à vélo, en voiture, en limousine (!), à pied sur les bords de Seine … Chacun s’exprime librement sur sa pratique, le plaisir de faire partie du groupe de Louis : ces commentaires sans fard, sur leur approche musicale et leurs relations sont précieux pour comprendre comment la musique se fait, comment ça joue . Chacun a sa personnalité, des idées et un itinéraire précis et ce n’était sans doute pas une mince affaire que de les réunir sur une musique ne leur «appartenant » pas, au départ.

Le batteur François Merville ouvre le bal : il suit Sclavis depuis quinze ans, admiratif de celui qui joue sa vie à chaque instant, totalement impliqué . Il lui reconnaît l’autorité du chef, et met à son service sa pratique de toutes les formes de rythme, ayant  un bagage classique, mais rompu  au free et contemporain.

Le saxophoniste Matthieu Metzger incarne une certaine « force tranquille » tout en s’adonnant avec passion à tous les bricolages imaginables de prototypes, construisant ses jouets, usant des larsens, de jingles de « son synthé du pauvre », simulant des pannes d’ordinateur. C’est un peu le technicien fou des saxophones et de l’ordinateur qui arrive à imprimer une approche plus pointilliste. 

Le bassiste Olivier Léthé  est le  fils d’un musicien de jazz (son père Christian Léthé était un batteur éminent de la scène free) : à ce titre, il a la culture jazz. Fan de Michel Legrand, il a une certaine douceur, proche de l’acouqtique, et il aime le travail à la contrebasse, l’expressivité de l’archet  même s’il doit se résoudre à des choix : il reconnaît qu’un vrai discours sur les deux instruments ( la basse électrique et la contrebasse) est impossible. Il se retrouve dans l’univers du jazz contemporain, au travers des explosions, des changements d’orientation, irrigués du groove des musiques amplifiées, au premier rang desquelles figure le rock.
Maxime Delpierre  crée les textures qui font remonter les harmoniques de la guitare, les drones de basse. Fonctionnant sur l’instant, à l’instinct, très organiquement, il vient du rock mais ne saurait s’en contenter.
Last but not least,  les compositions enregistrées en répétitions au Studio Campus, au Conservatoire de Bagnolet ou lors de concert filmé au Studio de l’Ermitage : « Bain d’or » , « Le sommeil des sirènes ». Sclavis explique que pour «L’heure des songes», c’est une photo réaliste traitée comme une peinture abstraite, qui lui a permis d’atteindre un temps mystique, de basculer dans une autre dimension. C’est encore une photo qui est à l’origine de la composition éponyme « Le vent noir » qui finit le concert.
 
LE DVD contient aussi un long bonus de 42 mn qui est articulé autour de 12 duos de Louis Sclavis avec chacun des musiciens, comme s’il voulait s’acclimater à leur univers, lors d’improvisations personnalisées. Après ces explorations d’espaces sonores originaux, survient une dernière improvisation collective cette fois, quintessence de la pratique du quintet.
On  aura été entraîné dans le sillage de cet artiste hors normes, tout au long de ce film passionnant, original dans son traitement, variant points de vue et cadrages, avec le charme de l’impromptu. Toutes les pratiques artistiques fascinent Louis Sclavis. Artiste complet,  curieux de tout, il est aujourd’hui au sommet de sa trajectoire, capable de composer des chansons comme un John Zorn, un Ben Webster ou Lester Young, tout en imposant une conception très rigoureuse de l’improvisation, autant physique qu’intellectuelle.
Ce Dvd nous procure le plaisir de la découverte d’un « work in progress », ce n’est déjà pas rien. Plus encore que du jazz et des musiques improvisées, il révèle une signature, faisant entendre la petite musique reconnaissable de Louis Sclavis!
 
Sophie Chambon
    

 

1DVD  Aphrodite records /Scène TV Paris 2009

Alexis Tcholakian,Claude Mouton et Thierry Tardieu

La scène TV et Aphrodite records produisent et distribuent ce DVD PLAY TIME qui devrait  attirer votre attention sur le travail du pianiste Alexis Tcholakian que nous avons découvert pour notre part.

Voilà un concert enregistré live, au club parisien THE SWAN par le pianiste d’origine italo-arménienne, en trio, formule à laquelle il revient avec bonheur avec ses complices, absolument épatants, le contrebassiste Claude Mouton qu’il connaît depuis plus de dix ans et le batteur  Therry Tardieu. Le pianiste qui assure aussi la programmation du club depuis juillet 2008 (il a programmé près de 600 concerts) avoue qu’être de l’autre côté n’est pas inintéressant, même si c’est plus anecdotique d’une certaine façon, pour un musicien qui est supposé  « vivre pour jouer ». Mais Alexis Tcholakian  a créé autrefois une école de jazz  « Paris Jazz School » aujourd’hui disparue, preuve qu’il s’est intéressé  à autre chose, qu’il a aimé passer de l’autre côté du décor, avoir une vision différente, savoir comment la machine  fonctionne . C’est aussi apprendre à dire non ( le souci de tous les programmateurs),  mais aussi avoir la chance de faire de belles rencontres, donc des découvertes . La musique du trio se déguste d’un bout à l’autre de ce Dvd et l’on apprécie l’ambiance resserrée du Club, au plus près des musiciens. Ce qui frappe, dès les toutes premières notes du premier thème « You don’t know what love is » c’est le côté chantant, groovy, la façon de reprendre et revisiter les standards avec une belle énergie, une évidence lumineuse. Alexis Tcholakian avoue avoir été frappé, séduit par des versions inoubliables de certaines compositions, par exemple de la version de Jarrett du « With a song in my heart » de Rodgers et Hart.Avoir ensuite le désir de reprendre à sa façon ce standard, de se frotter à la musique, de choisir un chemin différent  répond à une véritable exigence et s’avère une tâche particulièrement audacieuse. C’est un enjeu déterminant dans la tradition jazz : Bill Evans, inlassablement, jouait plusieurs soirs de suite le même thème pour l’ « épuiser », pour se surprendre, pour arriver à le jouer autrement. Sur « I remember Clifford » du « fort en thème » Benny Golson (glisse malicieusement Pascal Anquetil qui nous livre en bonus une très intéressante conversation avec Alexis Tcholakian) c’est la version énergisante de Tete Montoliu qui avait retenu l’attention du musicien. Alexis Tcholakian en fait à son tour une ballade vivante, chaleureuse, moins nostalgique. De surcroît, le micro placé près du piano droit révèle comment Alexis Tcholakian accompagne de la voix (la proximité rend la voix très présente)son jeu au piano. Ceci dans une tradition du piano jazz qui va d’Oscar Peterson à Bud Powell sans oublier les râles et autres grognements inévitable du sieur Jarrett.

Les six thèmes sur ce DVD sont donc des standards, à l’exception d’un seul titre de Tcholakian  « E & Y » (en hommage à ses enfants ), tous plus groovy, et  « soulful », même les ballades « You Dont’know… ». Quant à la chanson de Billie Holiday  « God bless the Child » qui termine l’enregistrement , le trio en donne une version stupéfiante qui nous fait oublier (et c’est ma foi un compliment), l’interprétation de Billie. Les musiciens jouent cette chanson autrement, avec une fougue rare sur ce thème plutôt mélancolique.

Pour le titre de l’album, Alexis Tcholakian avait pensé à  « Here and Now » qui illustre l’ idée du jazz comme  musique de l’instant mais le titre  était déjà pris par une autre formation celle de Goubert-Ferris-Bex .Un autre titre Play Time s’est imposé rapidement, très adéquat lui aussi avec une notion sensuelle, presqu’érotique qui éclaire l’interprétation décomplexée de « With a Song in my Heart » ou  « For all we know ». Quel  bonheur de jouer  aujourd’hui ces superbes mélodies en les revivifant : les interventions de Claude Mouton sont particulièrement éclairantes à cet égard, soulignant autrement la qualité de ces compositions qui ont gardé leur potentiel de séduction aujourd’hui comme à l’époque de leur création..

 Allez donc au Swan si vous le pouvez, entendre ces vrais musiciens de jazz, tout à fait enthousiasmants.

Mais Alexis Tcholakian a déjà d’autres projets : le prochain objectif de ce pianiste attachant est de revenir à la composition, d’ interpréter en trio avec l’apport d’une chanteuse qui saurait mettre des mots sur ses compositions. Avis aux amatrices ! Sophie Chambon